연결과 내면의 표현 | Masamiya Hikaru에게 묻는 10가지 질문 | ISSUE #2

어머니는 중국인이고 아버지는 호주인입니다. 저는 도쿄에서 태어나고 자란 일본인입니다. 현재 도쿄를 기반으로 아트 디렉터 겸 디자이너로 활동하며, 'aesthesia'라는 브랜드를 운영하고 있습니다.

어릴 때부터 그림을 좋아해서, 여기저기에 그림을 그려 유명했다고 합니다. 고등학교 졸업 후에는 배낭여행자로 세계 일주를 했습니다. 그 경험이 지금의 일에도 연결되어 있습니다.

세계 일주의 계기는 고등학교 중간고사 중이었습니다.

시험 중에, 맨 뒷자리에 앉아 펜을 멈추고 앞자리의 반 친구들을 바라보니, 물론 당연하지만, 모두 같은 모습으로 같은 교복을 입고 같은 시험을 동시에 풀고 있었습니다.

저는 눈앞의 친구들의 개성이나 내면의 아름다움을 알고 있었기 때문에, 그 상황이 재미있게 보였고, 그때 '敷かれたレール' 시스템에 따라 사는 것이 개성을 잃는 것과 연결될 수 있다는 두려움을 느꼈습니다.

모두가 자신다운 방식으로 답하면 더 재미있을 텐데 라고 생각했습니다.

그 경험에서, 넓은 시야로 진로를 생각했을 때, 일본뿐만 아니라, 자신이 모르는 가치관이나 문화, 세계를 알고 싶다는 결론에 이르러, 영어도 전혀 못하는데 '세계로 나가자!'라고 결심했습니다.
덕분에, 지금은 '가치관'이 장소·문화·환경에 따라 셀 수 없이 많고, 다른 나라에 가면 사고방식이 180도 바뀐다는 것도 배웠고, 반대로 본질은 세계 어디에 가도 변하지 않는다는 것도 배웠습니다.

세계 일주 중에는 패션 저널리스트로서 거리 패션 스냅을 찍거나, 아마추어 사진가로서 해외의 패션 위크에 잠입하기도 했습니다.

그때부터 패션이나 그림, 사진 전시회에도 가기 시작했습니다.

사진에 한해서는, 20살 때 이탈리아 밀라노에서 본 'ジャン＝ポール・グード'의 'So Far So Goute'라는 전시회에서 충격을 받았습니다. 어디서 이런 발상이 나오는지.

그것이 사진이라는 틀에서 기억에 남는 경험입니다.

처음 사진을 찍은 기억은 없습니다. 아마도 기억이 생기기 전에 찍었을 것 같습니다.

왜냐하면, 어머니가 항상 카메라를 들고 다녔기 때문에, 아마도 기억이 되기 전에 카메라를 건네받아 찍었을 것 같습니다.

하지만 역시 어릴 때는 그림을 좋아했습니다.

지금도 사진은 일종의 기술적인 것으로 받아들이고, 엔지니어적인 감각이 있을지도 모릅니다. 기계적이라는 것도 있지만.

추상적이지만 '외부를 포착하는' 것이 사진이고, '내부를 발산하는' 것이 그림, 같은 느낌입니다.

그래서 사진의 파인더를 볼 때는, 외부 풍경을 잘라내는 감각이 아니라, 자연스럽게 그림을 보는 감각을 통해 표현하고 있는 것 같습니다.

그 사진이 어떻게 그림으로 승화될 수 있는지는 예전부터 항상 생각해왔던 것 같습니다.

만들어낸 작품이 아닌 한, 장비에는 별로 집착하지 않는 것 같습니다.

일로 영상 촬영을 할 때도 있지만, 영상의 프레임을 잘라내어 사진으로 만드는 경우가 많습니다.

이것도 제가 영화 특유의 질감을 좋아하고, 영상의 일부를 사진으로 잘라내는 것이 더 일련의 흐름을 잘라낸 느낌이 있어서 그런 것 같습니다. 어쩌면, 영상에서 사진을 만들어내는 것이 고집일지도 모릅니다. 극단적으로 말하면, 둘 다 프레임이니까요.

영상용 카메라는 기본적으로 호주 제조사인 'Blackmagic'의 'Pocket Cinema Camera'를 사용하고 있습니다.

일상적으로 사용하는 사진용이라면, 35mm 필름의 인스턴트 카메라를 좋아합니다. 질감은 신경 쓰지만, 제조사에는 별로 고집하지 않습니다.

일상적으로 사용하는 카메라는 '자연스러움·간편함'이 중요하다고 생각하고, 바로 주머니에서 꺼내서 그 순간을 그 자리에서 찍습니다.
지금 생각해보면, 35mm 인스턴트를 사용하기 시작한 것은 세계 일주 중에 우크라이나에서 만나 촬영해준 사진가 Hiroyuki Koshikawa 씨에게 영향을 받은 것 같습니다.

카메라는 세계 일주 때 앤티크 샵에서 발견한 'MINOLTA Riva ZOOM'이라는 35mm 카메라도 가지고 있었는데, 여행에서 돌아오니 고장 나서, 두 번째로 지금은 'Canon'의 'autoboy 3'를 사용하고 있습니다.

시인이기도 한 'Londrelle'은 유명해지기 전부터 좋아했고, 최근 자주 듣고 있습니다.
그의 좋은 점은 5년 전부터 가사나 내용의 근본이 변하지 않았다는 점입니다. 본질적으로 좋은 것이 쇠퇴하지 않는 이유가 이런 것이라는 것을 배웁니다.

또한, 'Kanye West'가 프로듀스한 'Sunday Service'라는 앨범을 최근 다시 듣고 있으며, 작업 중에는 '차이코프스키'나 '모차르트', 'AOKI TAKAMASA'의 곡을 듣습니다.

클래식은 작업이 잘 진행되니, 모두도 시도해보세요.

작품 제작 중에는 무아지경에 빠져있기 때문에 누군가를 모방하려고 생각하지는 않습니다. 영감을 받은 과거의 많은 경험이 현재 순간에 나타나는 감각은 있지만.

내면을 표현하고자 하는 욕구를 충실히 재현하기 위한 나만의 규칙인 것 같습니다.

다만, 특정한 누군가가 아니라, 역사를 따라가면서 영감을 받는 경우가 많습니다.

예를 들어, 음악실에 걸려 있는 초상화를 찍고 싶다고 생각할 때는, 초상화의 역사를 따라가거나.

초상화를 찍는다고 했을 때, 먼저 가장 처음 사진으로 초상화를 확산시킨 사람을 찾고 싶어서 조사했더니, 1850년대에 '나다르'라는 프랑스 사진가가 확산시켰다는 것을 알게 되었습니다.

그 '나다르'는 당시 파리의 사진 아틀리에에서 당시의 유명인이나 예술가의 초상화를 계속 찍었다고 합니다. 재미있는 것은 일본에서도 인기 있는 인상파 화가 '모네'나 '세잔'이 '나다르'의 아틀리에를 빌려서 거기서 처음 전시회를 했고, 그것이 지금은 유명한 '인상주의' 예술 활동의 기점이 되었다는 것입니다. 여러 가지로 연결됩니다.

또한, 지금은 드론으로 공중 촬영이 당연하게 되었지만, 처음으로 기구로 공중 사진을 찍은 것도 '나다르'라고 합니다. 초상화와 공중 사진의 선구자가 동일 인물이라는 것이 재미있습니다.

모르는 것도 알 수 있고, 역사를 따라가는 것은 역시 재미있습니다.

파리에 있을 때 나다르의 아틀리에 주소에도 갔지만, 아쉽게도 흔적은 남아 있지 않았습니다.

35mm의 'Kyocera TD'라는 필름 카메라는 사용해보고 싶습니다.
'Carl Zeiss Tessar T*' 렌즈가 탑재되어 있고, 촬영한 질감도 좋고, 단순히 외관도 좋아합니다.

또한 사치품이지만, 'LEICA minilux'는 계속 신경 쓰입니다.
매년 가격이 오르기 때문에 지금 사면 가장 저렴한 가격이 될 것 같고, 많은 사람에게 사랑받고 있는 희소한 카메라라는 느낌이 듭니다.

인물이라면, 상대방의 마음과 연결된 그 순간에 찍은 사진이 가장 좋아합니다.

감각적인 연결을 가질 수 있었던 순간, 즉 피사체가 그 사람 본래의 모습인 순간. 있는 그대로를 보여주고, 그것에 자연스럽게 끌려 들어가는 상황을 좋아합니다.

이것은 언어로 표현하기 어렵습니다.

풍경이라면, 해외의 건물을 찍는 것도 좋아합니다. 같은 장소에 오랫동안 존재하는 것, 제가 살아온 것보다 훨씬 긴 역사를 가진 것을 찍으면, 그 역사의 일부가 된 것 같은 느낌이 듭니다.

자신도 타인도 포함하여, 자신이 '멋지지 않다'고 생각하는 것을 타협하여 해버리는 것.

그런 때에 아티스트 성격이나 인간성이 드러납니다.

주변에 디자이너 친구가 많아서, 받거나 보내주는 경우가 대부분일지도 모릅니다.

가끔 만든 제품을 물물교환도 합니다. 친구라서 자신의 취향에 맞춰 디자인을 조금 바꿔주기도 합니다. 만드는 것을 좋아하는 사람들이라서 기쁘게 들어주고, 거기서 새로운 컬렉션의 아이디어가 되기도 합니다.

또한, 원래 정해진 상점의 옷 중에서 선택하는 것이 별로 능숙하지 않은 것도 있을지도 모릅니다.

감각으로 찍는 사람이기 때문에, 설정은 상당히 상황에 따라 다릅니다. 당연히 날씨나 환경도 그렇지만, 그날의 기분의 세계의 보이는 방식에 따라 변하기도 합니다.

다만, 포커스에 한해서는 수동으로 하는 것이 감각적으로 좋습니다.

마지막으로 조금 덜렁거리는 이야기가 되겠지만,

세계 일주 때, 사실 'Nikon'의 DSLR 카메라를 가지고 갔는데, 백패커 생활 환경이 거칠어서, 가방이 부딪히거나 해변에서 노숙할 때 모래가 들어가서, 중간부터 오토포커스가 작동하지 않게 되었습니다.

렌즈를 살 여유도 없어서, 수동으로 찍을 수밖에 없게 되었습니다.

처음에는, 바로 찍고 싶은 순간에 수동 포커스로 찍는 것이 익숙하지 않아서 힘들었지만, 1년 반 동안 계속하다 보니 당연하게 되었습니다. 그리고 그때 버튼이 단단해졌을 뿐 실제로는 고장 나지 않았다는 것을 알게 되었습니다.

하지만 역시 익숙해지면 사용하기 편하고, 그때 수동의 자유로움의 좋음을 확신했습니다.

프로들은 수동이 기본이라고 생각하지만, 이 경험 덕분에 수동 포커스를 맞추는 감각이 자연스럽게 몸에 배인 것은 행운이라고 생각합니다.

또한, 만들어진 것에 고집한다면, 모든 공통된 수동적인 부분에 힘을 쏟고 싶다는 생각이 있습니다.

예술을 예술답게 만드는, 설명할 수 없는 '무언가'는 그런 작은 곳에서 생겨난다고 생각합니다. 세부에 신이 깃든다고 할 정도니까요.